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[其它] 当代电影分析3

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发表于 2018-5-18 11:46:40 | 显示全部楼层 |阅读模式

本帖最后由 youboo 于 2018-5-18 11:57 编辑


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第二部分:影片分析的定义文化活动范畴中的影片分析(2)

    电影分析这一部分着重说明统筹全片梦境般优美的场面调度是如何借由摄影机运动、画面构图、对话以及音乐共同构成的,由于“全片有如在梦中展开”,作者在分析中自行略去剪接、灯光与布景三方面的探讨。勒贝尔对于课堂及宿舍段落的横摇镜头及构图变换有相当精确的评述,另外,他也指出维果是如何在不能再差的录音条件下超越困境,化对白为一种独特形式、“一种别人模仿不来的重音”的。作者举剧中科萨对柯林说话的语调为例,提示词语在重复使用下把对白变成“好像连祷文一样,词语在它们的声音价值及作为词语的简单事实上发挥效用,而与其意义脱离关联”。   
    至于在今天看起来最落伍的“影片意义”部分,在那个时代是一项普遍符合民间文化组织的(人文或精神层次的)教化考量原则,因为唯有如此,才能策略性地挽回电影在当时不道德的、负面的声誉。不巧的是,《操行零分》的主题正好抵触这项原则,勒贝尔只有技巧地绕过这个不可避免的问题,把结论重点放在片中反叛主题与诗意解放表现之间的密切关系上:“影片是维果唯一实际的抗争表现,同时也是一个以美丽而优雅的姿态揭露邪恶秘密的诗意行为。影片为维果带来了解脱,但这种解脱却是在现实世界之外进行的,还没有让他与这个世界达成和解……《亚特兰大号》(LAtalanta)这部片子的完成才替这项和解带来了希望。”   
    最后“问题讨论”部分则采用这篇分析中浮现的几个主题引导讨论活动,如“诗意与写实主义”、《操行零分》及以童年为主题的电影、论维果与法国新浪潮电影的关系等等,尤其是与特吕福(Franois Truffaut)的《四百击》(Les 400 coups1959)之间的关联比较。   
    22安德烈·巴赞谈《日出》(马歇尔·卡尔内导演,1939   
    安德烈·巴赞在大众教育组织“劳动与文化”(Travail etCulture)里一直坚守文化工作的岗位,这点是众所周知的,他也因此有很多机会在学校的电影社团、企业的聚会或教堂里向大众数十遍地介绍他所喜爱的一些片子。刚开始只是为了讲演方便而作的速记,之后就变成了好几种不同的解说单版本,请读者参阅本章书目部分。   
    巴赞的解说单表现的第一个特色就是出人意料地长,内容多达二三十页。其次,他的自由论述方式也与以往固定的格式有所不同。巴赞在开场白中便提出了他由影片“形式”出发的选择角度,更明确一点地说,也就是这部片子的戏剧构成。巴赞认为,“没有比将影片的‘主题’与‘形式’分开来讨论更危险不智的方式了”。他同时也批评那些“电影俱乐部里总是谈拍片技术的学究”。《日出》这部片子对他而言,正好提供了一个范例,“唯有与戏剧动作互补相融,才能彰显技术的优异性”。   
    巴赞从《日出》今昔场面交替呈现的独特影片构成方式出发,探讨各种使全片更迭顺畅的因素。他先讨论电影音乐的运用与影像溶接的特性,然后再巨细靡遗地列举片中出现的布景道具以及它们在片中所起的作用。他在道具方面作的缜密分析,犹如是在为让·加潘(Jean Gabin)担纲主演的人物弗朗索瓦(Franois)填制一份精密的性格度量表,对巴赞而言,弗朗索瓦“就像底比斯城一般的都市郊区工人表征,必须与盲目无情的社会制约抗争到底”。   
    这篇文章的论证过程相当精彩,其中点缀了许多在以提升文化水平为主要目标的策略下准备向观众发问的题目(巴赞甚至还把得到的答案类型做成百分比统计),可以说是一篇示范教学的经典之作。我们在这里简扼地将作者讨论道具布景的部分做个提要。   
    片中弗朗索瓦自己关在旅馆房间里,四周有许多象征爱情点滴回忆的道具。巴赞建议观众重组一下这个房间的布景,并列出下列项目:   
    ——家具类:观众确定的答案包括床、桌子、壁炉、镜子、藤椅、普通椅、诺曼底式的柜子。另外有四分之一的观众提出盥洗台、床头柜等无中生有的答案。   
    ——道具类:观众确定的答案包括壁炉上的绒毛玩具熊、一根铁扦、片末使用的手枪、覆盖着一份报纸的电灯及一个足球,有些观众还注意到有一个脚踏车的踏盘。   
    ——其他在动作进行中出现在家具上的小道具还有烟灰缸、全新的领带、一包香烟、闹钟、两个火柴空盒、墙上让·加潘的照片和画像、镜子两边的运动员照片等。   
    如果再问观众桌布、床罩、壁纸的样式花色,几乎所有的观众都能描述得出它们的特性。   
    观众毫无例外地一定会遗漏的几项反复出现在银幕上的布景道具则是:壁炉与诺曼底柜中间的一个大理石台面的五斗柜;放在五斗柜上的一个脚踏车铝壳水壶及一个便当盒;靠着柜脚有一个脚踏车车胎。   
    上述这些物品都是房间里不曾起任何戏剧作用的道具。   
    《日出》,马歇尔·卡尔内导演,让·加潘与杰奎琳·洛朗(JacquelineLaurent)主演。   
    巴赞逐一指出每项道具是如何在依循弗朗索瓦人物性格发展上发挥戏剧及象征作用的,例如他小心翼翼地把弄污了房间地毯的烟灰掸回烟灰缸里去,“这种对整洁和秩序的神经质癖好显示了人物长期单身和生活细心的一面,犹如习性特写一样,快速攫住了观众的心”。由于火柴用完了,加潘只得借助烟头燃引,一根又一根地抽烟,巴赞也评论了这个安排的必要性。   
    我们可以再摘出几个有关巴赞讨论诺曼底式柜子的作用的句子为例,“这个让·加潘铆足力气推动以堵住大门、并促成警察局长与门房之间一段有趣对话的诺曼底式柜子……与任何一个加潘可以拿来堵住门口的柜子、桌子或床等普通家具的意义不同——它必须就是这个让他像推动坟前的石碑那样厚重的大柜子。加潘移动这个柜子的姿态,甚至这个柜子本身的外形,都点明了他不是在筑垒自卫,而是在自我禁锢”。而后巴赞下了结语:“《日出》的完美之处在于,影片的象征手法不曾僭越写实主义,而以附加的方式伴随着写实主义。”   
    巴赞依循其他布景提供的线索,以“福尔摩斯探案的精神重塑加潘的生活和性格”,并企图解答“加潘是谁”、“他代表了何种神话”等问题。   
    当然,巴赞具有第一流电影分析家的水准,这点毋庸赘言。这里更有趣的事是,我们看到巴赞如何在文化活动中、在与观众的直接互动中表现他的批判睿智。对巴赞而言,实践才是分析的源头,不过很遗憾的是,很多巴赞和其他同样才华横溢的电影文化带动人曾作的口语讲评分析,由于当时没有系统化地被速记打字保存下来,今日多已难觅其踪。   



第二部分:影片分析的定义作者论和诠释性分析

    出现于20世纪50年代的一种特别的影片探讨方式不仅影响了电影批评史,也影响了电影分析史,那就是从1954年的一期希区柯克(AlfredHitchcock)作品专辑开始,由《电影手册》所主导、定义并加以实践的电影“作者论”(politique des auteurs)。作者论的最佳范例则非1957年由时任影评人的导演克洛德·夏布罗尔(Claude Chabrol)和侯麦(Eric Rohomer)合撰的一本专论希区柯克作品的书莫属。   
    在夏布罗尔和侯麦准备这本书的同时,就下定决心要大力提升这位导演的艺术地位,因为在当时一些具优越意识的影评人眼中,希区柯克只是一个技术卓越但缺乏“个人讯息”的电影导演。   
    实际上20世纪50年代只有相当少数的导演被视为电影作者。他们的作品必须至少符合以下两种特性:对影片的制作及创作过程有绝对的控制权,以及作品题材选取上一贯的个人主题延续。这座大师的殿堂集合了默片时代的卓别林(Charles Chaplin)、格里菲思(DWGriffith)、维克多·修史卓(Victor Sjstrm)、艾森斯坦,以及有声时代的布努埃尔、柏格曼(Ingmar Bergman)、罗塞里尼(Roberto Rossellini)、让·雷诺阿和布雷松(Robert Bresson)等导演。巴赞在一篇著名的文章《怎样成为希区柯克霍克斯?》(Commentpeuton êtreHitchcockoHawksien?)里便特别谈到罗塞里尼、雷诺阿及布雷松三位导演。   
    在那个时代,法国对美国电影的敌意仍相当强烈。美国电影被视为巨大的工业机器,能轧碎所有个人表现与企图,冯·史卓汉(Eric von Stroheim)、奥森·威尔斯(Orson Welles)和卓别林的导演生涯正是这种看法的注脚。   
    作者论的出发点引发颇多争议,因为它试图证明真正的艺术家在面临困难时,而且特别是面临电影公司最硬性制约的束缚时,也能摆脱困境、别具一格。此外,论者也试图厘清作者这个观念,以“场面调度”(mise en scène)和“导演观”(regarddu cinèaste)来替代以往“影片主题”等观念。希区柯克的作品丰富了这个批评走向,而我们也必须承认,30年后,作者论在探讨希区柯克作品这一点上超过各方期望,得到了出色的成就,因为希氏作品果然成为影片分析范畴中最重要的讨论领域之一。   
   1957年,类型的阶级等次问题仍相当强烈地在意识形态上左右主流文化,也影响电影。一个一生几乎只以改编侦探小说为主的导演无论如何是不可能被称为真正的作者的。夏布罗尔与侯麦却以160页的篇幅,沿着希区柯克“作品的内容与形式问题彻底紧密相连”这一公设出发,推翻了约定俗成的看法。   
    “我知道给予他灵感的小说并不是第一流的文学,除了消遣娱乐之外,它们没有别的价值。不过如果希区柯克选择改编陀斯妥耶夫斯基或其他英国小说家最具野心的作品,他会拍出更好的成绩来吗?对他而言其实无所谓,因为他找不到更丰富的素材,就像陀斯妥耶夫斯基或英国的小说家也都选取通俗题材一样,唯有作者创造性的开展方式才能赋予作品一种文学尊严。”(摘自《这是谁的错?》[Aqui la faute?],莫里斯·谢雷[Maurice Schérer]作,即侯麦笔名)   
    在上述文章中,侯麦也肯定“以灵魂、上帝、魔鬼、疑惧和罪愆等字眼来替代推拉镜头、构图及一切电影界的行话,并不会令人太过讶异”。因为他们俩想阐明的是,唯有从作品的形式层面下手,才能彰显作品的形而上意义:“从形式才能探掘深度,才能孕育形而上层面。”   
    侯麦和夏布罗尔以希区柯克片中的追逐戏和其作品叙事过程中典型的交替结构和往返运动为例子,指出这种往返运动与希氏所有影片中不断出现的“交换”(échange)主题紧密交错,不仅在于传达精神状态(罪恶感的移转),也同时刻划了心理方面(悬疑)、戏剧方面(勒索)或素材方面(叙事节奏)。   
    为了正面挑战20世纪50年代的价值体系,两位影评人决定把讨论的重点落实在希区柯克的美国时期作品上,他们认为,“从《蝴蝶梦》(Rebecc)一片开始,以往单纯的希区柯克笔触(Hitchcock touch)便已蜕变成为导演的世界观(vision du monde)”。   
    世界观这个观念从来就是作者论的试金石,因为它完全不因影片的主题改变而改变。   
    为进一步探讨希区柯克特有的世界观,夏布罗尔和侯麦着手分析他的电影作品,全书写得最透彻的章节当属《数字与图案》(Le nombre et les figures)一章,专门分析《火车怪客》(Strangers on a Train1951)这部影片。他们将交换主题的实质作用放在反射形式和往返形式下加以辨析,以探寻影片的形而上层次。在列举一连串令人眼花缭乱却十分有说服力的眩晕、快速、白热、圆圈等图案之后,他们谈到:“片中谋杀的眩晕感、设计陷阱的癖好、性的错乱或病态的骄纵等这些性格缺陷,都以抽象而普遍的方式表现在数字与图形中,使观众能在主角和他们的魔念之间形成某种程度上的差异。主角布鲁诺(Bruno)的犯罪态度也正是整个人类基本颓废态度的反映。”   
    希区柯克的艺术在于借用所有精心设计过的几何图形让观众能对主角的眩晕感同身受,而在眩晕之外,观众亦体认到一股深沉的道德意识:“每个举动、每个想法、每种物质或精神的存在都是一个秘密的代言人,从它的身上一切豁然开朗。”   
    在夏布罗尔与侯麦的书末结语处,再度以“形而上学之父”一词推崇导演希区柯克的成就。   
    作者论在逻辑上是一种以作品为重心的分析方法,然而在实质上却是一种影片的诠释方式,影片的每项特殊因素都被分析者顺着导演世界观的方向加以诠释。希区柯克的作品会成为这类诠释性影评催生的主力并非偶然,正如影评人让·纳尔博尼(Jean Narboni)所说的:“如果法国影评人眼中看到的希区柯克的影片满布符号,那也许是因为希区柯克片中的主角眼里看出来的一切东西、风景、世界表相、旁人脸孔,也无一不是符号。基本上他的人物都受到欲望法则的支配,不仅只因为感情的驱使而行动,他们更受到一股诠释的激情与解码的狂热所驱动。在希区柯克最好的影片中,这股狂热甚至会发展形成一个背离现实原则的世界。”(Visages dHitchcock   



第二部分:影片分析的定义停格

    本书第三章将对20世纪60年代和70年代极为重要的符号学思潮及一些与影片分析有密切关联的电影理论作一番省思检讨。不过,既然谈到影片分析具有多种形式的特性,我们认为在此有必要先提醒读者在历史原因决定下产生的一种混合现象,例如第一批电影符号学奠基论文的发表、电影研究正式进入学院殿堂、新一代导演与新类型影迷的出现等等,各式各样的因素促使电影的深层研究全面兴起进而现实化,也使得电影的文化正统性(legitimationculturelle)得以确立。   
    这门新兴的研究立即面临一个棘手的关键性问题,那就是很难接触到影片拷贝。一般说来,在电影院放映厅以外的地方观看影片的可能性必然相对地减少,但是把问题直接归咎于这种物质基础的匮乏却是一个将问题过于简化的看法,因为利用剪接台或分析专用的放映机等较新的技术来观阅(visionne)珍贵的影片仍是相当可行的办法。这点也说明了为什么相对于其他类型的影片探讨方式,影片分析会占有这么重要的分量了。   
    这一时期内——研究者整合在这种形式下,重新对电影史的纵向研究、对各地电影图书馆的创设及其演变和建立影片的目录资料卡提起了兴趣——我们至少可以确定,电影理论与影片分析成了一对好搭档。影片分析经常以电影理论的经验阶段及考据阶段这样的双重身份出现:影片分析既是检视电影理论的重要指标,也是开创某种电影理论或使之完美化的阶段和方法(请参阅第八章第一部分)。   
    我们也许可以把画面停格视为理论与分析达成默契的征兆。对于影片分析而言,影片最顽强的一项抗拒力就是时间。影片与可以随性自由翻阅的书本不同,必须经由放映机的不断运转才能投射到银幕上,其放映过程是不受个人操纵的。画面停格正借由破坏画面运转这个不可抗拒的特性,使分析者在本来不应介入的运转中的影像和声音上加插一句话或一段讨论。   
    当然,并不是所有的影片分析都采取这样的方式进行(这就是为什么我们在前面提到停格画面是影片分析的标志征兆,而不是影片分析的方法本质)。不过不可否认的是,从停格这样一个可能性开始,影片终于成为可以分析的对象了,就算在分析时不全然依靠这个手段,我们也必须借由停格画面中可资辨识的组成因素出发,去建立影片分析最终追求的逻辑与系统关系。   



第二部分:影片分析的定义结论 影片分析的定义

    我们由本章所讨论的影片研究类型和历史概述中归纳出下列三项原则:   
    A一套放诸四海皆准的影片分析通则并不存在。   
    B影片分析是无尽的,因为每个人界定的程度与长度有所不同,一部影片永远都有可资分析的地方。   
    C分析者必须了解电影史,也必须知道他想分析的影片曾经引发过哪些言谈,以免重蹈前人说法,并且考虑要采取何种类型的影片阅读方式。   
    关于第一项原则这里要特别强调的一点是,企图发掘一套普遍适用的通则其实本来就是相当合理的要求。如果一篇分析以反对“印象式”的言谈、反对离题的诠释为出发点,如果它建立在与主观式批评迥异的基础上,而有意成为一篇严谨的论述,那么这篇分析就必须具有“原则”。一般人犯的错误是,认为这些原则必须或多或少类比于(甚至全盘抄袭)自然科学的实验法则,然而从这样的一个企图出发,就已经无可避免地产生了认识论的谬误,没有认清自然科学(或称为“精确”科学)与社会人文科学之间基本的不同。即使两种科学要求的严谨性是一样的、可以类比的,两者在事实与对象方面都存在着本质上的差异。符号学与符号学影片分析永远都不会是实验科学,因为它面对的是无穷尽的个体殊性,与科学的规律重复性质是不能相提并论的。   
    如果要换个比较委婉的说法,我们认为,没有任何一个分析方法是可以同样适用于其他影片的。我们往后提到的任何一种具有普遍性的分析方法都必须依照对象的改变而加以调整,这种依据经验来调整方向的步骤也常常是一篇真正的影片分析与一篇纯粹套用模式的拼贴文章之间最大的不同点。   
    关于第二项原则之分析无穷尽的特性,我们将在文本分析(第三章)这个部分一并探讨。   
    关于第三项原则,我们以奥森·威尔斯的《大国民》(Citizen Kane1940)为例略加说明,因为这部片子是电影史上最著名且引发了最多评论的影片之一。   
    《大国民》是一部独一无二、成就卓越的电影,一部以极其缜密精巧而又矛盾的方式总结好莱坞古典风格之大成的影片。这部在上映时票房奇惨、而在影评界备受盛赞的片子,已经无可置疑地成为电影史上的经典巨作。不论从哪个角度来看,它在电影史上的地位都是那么显眼——它是好莱坞“电影作者”最有力的印记,它也是整个电影风格系谱上一座难以被定位的里程碑。   
    其形式表现之丰富繁复令人惊异:数个不同层次彼此交织错置而成的叙事结构;指涉威尔斯剧场出身的场面调度与演员强烈的“外倾”表演方式(影片内容也直接包含剧场演出);在声带方面,把人声嗓音音乐化而电影配乐评论化的“复调式音乐”(polyphonique)处理手法,以及抽出任何一个镜头、观众都很容易认出来的特殊视觉风格(即景深、短焦距镜头、长拍镜头、仰角摄影、快速剪接、特写镜头的不同用法,以及某些取镜,如著名的天花板镜头等)。   
    简而言之,想分析这部影片的人必先意识到我们前面提到的原则:不能天真而毫无准备地谈这样一部负有盛名且完全非典型化的特殊作品。分析者应做的第一件事便是,正确地判断这部片子在电影史上的地位,并尽可能地阅读所有讨论这部片子的文章。   
    不过,更重要的一点是,在许多由同一部影片所可能引发的阅读方式中,分析者须先考虑哪一种阅读才是他想要实践的。虽然不能涵盖全部,但是我们可以试着举出主要几个明显的探究路线来讨论《大国民》这部影片。譬如在作者问题方面(分析角色之间或导演与演员之间的关系),在叙事问题方面(回溯段落[flashback]的分析,或扩大到电影时间性的分析),在陈述活动方面(不同人物对应于叙述[récit]以及陈述活动[énonciation]的位置问题),在影片风格与好莱坞古典风格之间的关系方面(如同电影学者大卫·鲍德威尔[David Bordwell]、雅内·施泰格[Janet Staiger]和克丽丝汀·汤普森[Kristin Thompson]所做过的分析一样,将影片的形式特性与另一种模式相较,以显示其间的差距),或精神分析方面(童年主题及“侦探”探案结构中的回忆与幻想)等。   
    分析者亦必须决定,究竟是以一部片子从头到尾的分析为主——这在分析对象和最终目标上选择的范围相当广泛,还是只分析一部片子中的某个片段或某一层面的问题——这个时候分析者就必须把分析的角度放在某个整体性课题下加以考量。   
    这些选择方式正是下一章我们所要谈的内容。   



第三部分:影片分析的工具与技巧影片与影片的改写

    当代电影分析第二章影片分析的工具与技巧一、影片与后设影片:影片文本的非即时性   
    1影片与影片的改写   
    影片分析比起任何一种形式的艺术生产过程都更需要借助不同的步骤、各式各样的资料及“工具”来完成。   
    我们在前面提到过,在心理层面上,电影本有的观赏条件是一种相当特殊的条件:观众在被动的情况下,坐在黑暗的放映厅里,不但不能操纵转动中的影像,而且很快地就被放映影像的洪流所淹没,而影片放映的每一刻都带给观众感官上、认知上和情感上极其大量的资讯。当然,如果一部影片重看了几次,我们便能更忠实地回忆起某些细节、重组叙事流程中的重要时刻而不会出太多错,也能明确地指出某些视觉上令人印象深刻的片段。最顶尖的影评人也日复一日证明着批判力的敏锐程度是可以琢磨的,眼睛及耳朵的鉴赏力是可以教育的。因此,想要分析一部影片就需要一再重看这部片子,观赏少于三次而要进行分析的工作是一件不能想像的事情。   
    话说回来,细看及反复重看一部片子并不意味着这样就够了。从某个角度来看,我们几乎可以肯定影片分析的客体(lobjet de lanalyse de film)与观众在电影院内观赏的影片对象(lobjetfilm)之间的距离是相当遥远的。质言之,不论采用哪种方式的分析,影片分析的最终目的将是制定一个“模式”(当然是控制论的cybernétique,而非规范性的non normatif),因此,就像各类研究工作一样,影片分析的客体是必须加以建构的(êtreconstruit)。有些理论家甚至在影片——观赏单元(unitéspectatorielle)及影片——分析单元(unité analytique)之间彻底划清界限。   
    蒂埃里·昆塞尔(Thierry Kuntzel)在1973年一篇名为《行进中》(Le défilement)的文章中将“底片之影片”(le filmpellicule)、“放映之影片”(le filmprojection)和第三类与分析相关的影片状态作了泾渭分明的区隔。他强调:“影片分析上所牵涉到的影片(le filmique),既不是运动状态,也不是静止状态,而是介于两者中间,它处于底片影片孕生为放映影片的过程中,也处于放映影片对底片影片的否定过程中……”   
    不过,影片分析的对象理所当然地是影片本身,而不是影片的改写或幻影。分析的出发点是影片,分析的终结点也应归诸影片。所谓“另一部影片”的概念也正显示出分析一部片子的过程中没办法不借助中介物的困难窘境,这些本身已具分析性质的中介工具将有助于解决影片运转状态的制约问题。   
    在下面的章节中将向读者介绍几种最重要的中介物,即最重要的分析“工具”,不过在进入正题之前,我们想再强调一下影片分析和“影片本身”之间的关系。   
    影片分析与文学著作、绘画、戏剧或音乐作品分析互相比较之下,有个特别的不同点:电影不像绘画或剧作一样,有“原版”可循(影片当然有原始拷贝,可是除了技术人员和冲印厂工作人员之外的其他人无法接触到);另一方面,和文学或音乐作品不同的是,影片不能不断地翻印,否则会损坏原片的真貌,一本印刷粗糙的高乃依(Corneille)的剧作无损它作为高乃依剧作的价值,可是一部出现炭斑的德莱厄尔(Carl TDreyer)的影片就等于完全走了样。很明显地——尤其在借录影带以从事影片研究的趋势越盛的情况下颇值得一提的是——要看约瑟夫·曼凯维奇(Joseph Mankiewicz)的《埃及艳后》(Cleopatra)一定得看70厘米影片的版本才行,至于雅克·塔蒂(Jacques Tati)的《游戏时间》(Playtime),则是一部谁也看不到其原版面貌的电影了。   
    基本上我们这里强调的是原则问题,因为大部分的分析者绝大部分的研究工作只能在大致与原片相同的拷贝或是录影带上进行,更不用说那些我们谈过的、间接的工具了。在油画分析的领域,有一时期也同样仅能以复制品自足。当然这两类情况中,分析所处理的素材对象总会保存原作中的东西,但这两类分析也尽可能地向上追溯到原作本身。   



第三部分:影片分析的工具与技巧影片分析的工具

    我们得先解释一下“工具”这个词的意思。它的内涵意旨(connotation)似乎在暗示着影片分析是一种科学性的活动,或者,至少是在客观的过程中进行的。这样的看法不免带有一点理想主义色彩。实际上,我们已经讨论过,不论分析方法具有多么广泛的普遍性,它都不可能成为一项定律。然而分析的“工具”是存在的,某些工具的普遍性较强,几乎可以适用于各种影片,某些工具则只能针对特定的影片使用。而且,影片分析的方法需由整体的目标和策略来加以界定,只有这个目标、这个策略才能决定分析者到底是要援用哪一种“工具”,或者,换句话说,哪一种客体的中介物。   
    影片分析一般上使用三大类不同的工具:   
    1描述性工具(instrumentsdescriptifs):这类工具的目的主要在于弥补(前文提过的)影片理解以及影片记忆方面的不足。基本上影片的一切组成都是可以加以描述的,因此这类工具的种类也多。就主流叙事电影而言,多以大段落的叙事单位为描述主体,但是描述某些细部画面或是声带却常是更为有趣的尝试;   
    2引述性工具(instrumentscitationnels):或多或少补强第一类的功能(因为它是被放映的影片及其平面化分析之间的中介物),而且更接近影片的文本本身;   
    3资料性工具(instrumentsdocumentaires):与前面两类工具不同,它既不描述、也不援引影片的文本,而是把环绕在影片外围的资料带到研究的主题上。   
    把所有可能的、想像得出来的分析工具巨细靡遗地列举出来是件不可能的事。本章主要阐述的是上述三大类工具中最具有代表性的研究方法。   



第三部分:影片分析的工具与技巧分镜(1)

    二、描述性工具   
    大体说来,一部影片分析中最常被描述的部分就是叙事结构和场面调度方面的组成元素,或者是影像的特色,而在影片音响方面的描述几乎是难得一见的。我们也遵循惯例,探讨最常用到的描述性工具。   
    1分镜   
    纯就技术层面而言,一部90分钟的影片,以每秒24格的标准速度放映,足足包含129 600格不同的影像画面。当然,观众看见的,绝非是胶卷在放映进行中被“抹消”了的个别单张画面,而是一些单位。居世界主导地位的叙事/再现电影(cinéma  narratifreprésentatif)中最明显的单位就是镜头(plans),或者换句话说,两个接粘头之间的一段影片①。大部分的观众只要有一点观影训练,都能很自如地看出一部电影中镜头的序列。   
    ①有关镜头方面的概念,请参见Esthétique du filmpp2630   
    ②引自LAvantScène cinéma杂志。组成一部影片的镜头数目变化可谓很小。当然有些片子的镜头数特别多(如艾森斯坦的《十月》[October]有3 225个镜头),或特别少(如玛格丽特·杜拉斯[Marguerite Duras]的《印度之歌》[India Song]包括73个镜头,或是杨索[MiklosJancso]的某些片子,只由20来个镜头组成),可是一般中等长度的影片所包含的镜头数目多半维持在400600个左右,例如朱利安·迪维维耶(Julien Duvivier)的《望乡》(Pépé le Moko)中有449个镜头;莫里斯·图纳尔(Maurice Tourneur)的《狐玻尼》(Volpone)共有447个镜头;乔治·弗朗瑞(GeorgesFranju)的《没有脸的眼睛》(LesYeux sans visag)有445个镜头;柏格曼的《野草莓》(Wild Strawberries)有574个镜头;霍华德·霍克斯(Howard Hawks)的《夜长梦多》(The Big Sleep)由609个镜头组成;阿兰·雷奈(AlainResnais)的《广岛之恋》(Hiroshimamon amour)则包括423个镜头。这些片子的分镜表都已经出版②。   
    传统叙事电影中,以叙事单位和时空单位为基准而形成的一组镜头通称为一场戏(séquences),分镜表(découpage)即是应用镜头与叙事场段为分割单位做出来的。   
    影片的“分镜”一词至少包括两层不同的含义:   
    ——这个词汇最初源自影片的制作过程,它是衔接剧本写作的最后阶段与场面调度的最初阶段两者之间的桥梁。这一过程与语汇的形成可以向上追溯到电影工业技术分工的初期(1917年一些专门刊物里已多次使用分镜一词)。现今电影工业中的分镜承续剧本的其他步骤(即承接剧本大纲及连戏continuité dramatique),并把戏剧动作分成场、景,再分成编号的镜头,标上“技术、场景、脸部和动作方面一切有助于拍摄工作的必要指示”①①Henri Diamant BergerCinémagazine9 septembre 1921Jean Girandle Lexique du cinéma franais desorigines  1930Paris,(CNRS),1958.。有些导演出版了他们当作单纯的工具来使用的分镜表,例如路易·德吕克(LouisDelluc)在1923年出版的《电影戏剧》(Drames de cinéma)一书中收录他四部影片的分镜表及编号镜头。另外一件顺道一提的事是,拍摄前所做的分镜表和影片最后的剪接结果之间必然会有一定的差距,就算是以严守分镜表拍片出名的导演(如希区柯克或法国导演亨利乔治·克卢索[HenriGeorgesClouzot])也不免如此。   
    ——另一方面,这个词汇也用来表示在镜头与叙事段落两种单位基础上,对于已拍摄完的影片的一种描述方式。本书以下所要谈到的分镜指的都是这第二层含义。   
    如果我们着手准备一部影片的整体分析或片中叙事及剪接方面的部分分析,那么分镜必然是一项不可或缺的工具。分镜对于影片其他层面的分析,即使是完全属于视觉上的分析,由于其能突显影片的风格及修饰的选取角度,也是一项很有用的工具。   
    一张分镜表必须包括分析者在他的未来文章中选择发挥的项目,因此没有制式的格式可言。我们可以构思一个只包含编号镜头、影像内容提要和对白的最简约的分镜表,不过,鉴于研究上的特殊需求,有时必须添加上许多其他的参数。   
    下面这几个项目是一些分析性的分镜表中最常用到的参数:   
    1每个镜头的时间、画格的总数;   
    2镜头的比例尺寸大小①①②③④⑤相关概念,请参见Esthétique du film,第一、二章。、拍摄角度(水平的或垂直的)、景深②、人物及道具在景深上的配置情形、所使用的镜头焦距如何等;   
    3剪接方面:前后镜头如何衔接③,有无使用溶、划等“标点符号”;   
    4运动方面:演员的走位及进出镜、摄影机运动等;④   
    5声带:对白、音乐方面的指示,混音效果和收音方式等;   
    6声带与画面的关系:声音来源相对于影像的位置(画内、画外)⑤、声画同步或不同步。   
    下面节录两段已出版的分镜表作为例子,一部是阿兰·雷奈的《穆里爱》(Muriel),另一部则是侯麦的《我女朋友的男朋友》(LAmi de mon amie)。   



第三部分:影片分析的工具与技巧分镜(2)

    穆里爱镜头画面声带镜号时间描述(颜色、内容、运动)摄影机(尺寸比例、角度、运动)对白(镜内/镜外)音效+音乐651018秒—橘褐色。—两个外壳为银色的蜂房状抽屉叠在一起。—静态。—特写。—正面略偏左,轻微倾斜,俯角度。—固定。—然后还有一间叫“听天由命”的针织商品店。   
    —鸟鸣。7183秒—白色。   
    —几个晶亮的杯子翻倒在镜子前的一方玻璃垫上。   
    —静态。—特写。   
    —右边30°角,俯摄。   
    —固定。—我不记得这间商店。应该是一间卖——8510183秒—白色和褐色。   
    —四叠白瓷碟子置于褐色桌子上的一面镜子前方。盐盅。   
    —静态。—近景。   
    —略偏左,轻微俯摄角度。   
    —固定。香烟的店。   
    —你在说些什么呀?9509141秒—白色、红色、粉红色。   
    —盐盅、芥末酱盅、一束粉红色玫瑰。   
    —静态。—近景。   
    —俯摄。   
    —固定。   
    你全部弄混了。10515562秒—暗色、红色。   
    —三个剧中人物:其中一人在前景背向摄影机,另外两人在后景面向摄影机。一人在酒吧吧台后面,另两人在吧台前面。亮着台灯(以威士忌酒瓶为座,上罩苏格兰式红色灯罩)。酒保背后有手绘的布景。   
    —酒保边说话边做着表情,后景的第二个人物摇了摇头。—半身镜头。   
    —左边30°角。   
    —固定。(酒保):我在这区住了三年。不会因为敌机轰炸就忘了这条街长什么样子。我女朋友的男朋友※纳维苏瓦兹镇郊外景日212远景。湖畔风光,远处山峦起伏。草地已开始转为黄色,灌木林也疏疏落落。法比安(Fabien)与布朗什(Blanche)渐行渐远。   
   213全景。小山坡坡顶,数块岩石露在草地上。布朗什与法比安由左前方入镜,然后伫立于岩石上眺望远方景致。   
    布朗什:“啊!那就是瓦兹河……”   
   214横摇镜由左到右(以望远镜头)将布朗什与法比安所看到的景致摄入。河畔林木苍翠,点缀着几畦菜园,最远处有个小村庄。   
    布朗什(画外):“……是吧?”   
    法比安(画外):“是啊!有树林的那边。”   
   215(同镜头213)同样这对年轻人。   
    法比安:“它形成一个河湾,在那边可以看得比较清楚。它绕成一个环状(手臂指着河流的方向,整个身体朝右方旋转),绕过那个小盆地,面对……”   
   216远景。从山坡上拍摄塞吉圣克里斯多福(CergyStChristophe)镇。近处树林茂密。   
    法比安(画外):“……你住的地方,塞吉圣克里斯多福!”   
    布朗什(画外):“哦,对啊!看得到贝维德尖塔呢!”   
   217(同镜头215)同样这对年轻人。   
    法比安(继续右转,至面对摄影机):“然后它继续这么绕……”   
   218远景。镜头由左向右横摇,显示法比安所看到的风景。   
    法比安(画外):“……绕过塞吉的警察总局,到法国电力公司大楼脚下。”   
   219(同镜头217)法比安(顺着反方向转一圈,直到重新背对镜头,并指着朝左的方向):“从这边过去,我知道有一条很美的小道,紧靠着瓦兹河。”   
   220全景。布朗什与法比安走在一条灌木林道上。摄影机由右到左跟着他们横拍,显出他们正沿着河畔前进。后方有艘驳船慢慢地驶着。   
   221全景。小道变窄,路边杂草丛生。布朗什走在前面,两人朝摄影机方向静默地走来。   
   222全景。(相反方向)两人仍前进,法比安在后,渐行渐远。   
   223全景。路上已无草丛,布朗什与法比安沉默地朝摄影机走来,之后由右前方出镜。空镜头数秒。   
   224全景。路旁一座石墙。布朗什与法比安从右方入镜,走向石墙。法比安帮布朗什翻过石墙后,自己也翻过去。他们进入一座地势较高的公园(第三卷影片结束,计1930秒)。   
    225全景。布朗什与法比安仍非常静默,也不曾交换目光,继续前行。镜头横摇跟着他们经过灌木丛。之后他们停下脚步,法比安坐在地上,布朗什站着,看着上方。   
   226反拍镜头。由左到右小幅度摇镜。阳光穿过枝叶洒下来。   
   227中景。布朗什双手叉在腰间仰视天空,神情感动的样子。   
   228反拍镜头。重新以横摇镜头拍摄阳光枝叶。树叶随着微风轻轻颤动。四周一片静寂。   
   229中景。布朗什回到原先的姿态。   
   230近景。法比安坐着。左边上半身四分之三面向镜头,头朝着摄影机(布朗什)的方向看。   
   231(同镜头229)布朗什转向摄影机,眼中带着泪光。而法比安则站起来,由左方过来。法比安(很讶异而带着腼腆地):“你哭了?”(他走到布朗什后面,位于右方)布朗什:“没有!”(她转过身去)。   
    法比安:“是因为这阳光?”   
    布朗什:“不是,我也不知道怎么了……(她突然走向左方,横摇镜头撇下法比安,跟着布朗什)也许是因为太寂静了……或者是因为这个时间……因为……你知道,太阳快下山的时候,人总会觉得有点焦躁……(叹息)……可是我觉得好舒服……(她微笑)……甚至太舒服了!(她拭去眼泪)”   
    法比安(画外):“太舒服了?为什么?”   
    分镜是以镜头序列为基准而形成的,在理论及实践双方面并不是没有问题存在。以镜头为描述单位,首先碰到的就是关于镜头这个概念的理论问题,毕竟,一个最大的危机就是我们很可能掉入把个别镜头当成电影语言的“自然单位”来看待的幻觉里。在第三章我们会讨论到影片分析使用的分析单位应是相对且抽象的,基本上不一定会契合影片的分镜头。此外要再强调的一点是,分镜表的定义就是要干扰影片画带的连贯性,在这方面,声带的连续性比影像部分要强得多,至少,声音的过渡、转接和“转换镜头”在方式上是很不相同的。因此,以镜头为基本单位的分镜表虽然很有用,但却不是一帖绝对的万灵丹。   
    此外,分镜头在实践上受到很多“技术”上的困难所限制,最明显的障碍就是受到电影特技、快速摄影机运动,或其他原因的影响,而难以确认镜头何时转换。   
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