50个剪片子的小技巧

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1、保持片子恰当的节奏和速度——太快观众跟不上，太慢观众会无聊

作为一般规则，剪得快一点总比慢一点会好。这个世界没有比让观众无聊厌烦更糟糕的事情了。但是，一场戏剪得节奏太快导致观众迷糊，糟糕程度也是排在第二位了。

2、搞清楚一场戏的驱动力是什么并以此为出发点结构这场戏

剪任何片子前，都要搞明白什么因素在驱动剧情往下走，并把这个因素作为整场戏的脊柱。有时是音乐的节奏，有时是一场对话，有时是一系列的动作，有时是一个墙上挂着指示每一秒流逝的钟，无论是什么，先把这个镜头拖到你的时间线上，让它来驱动剩余的剪辑过程。

3、使用反应镜头

反应镜头不仅揭示角色对特定事件的思考和情感，它们也呈现观众自己所具有的情感反应——恐惧、震惊或者情欲等等。此外，反应镜头允许观众有一定的时间消化所发生的事情。如果电影只呈现拳击场中两个拳击手相互出拳打斗而没有切到场上观众的反应，那么观众要么被持续的动作刺激到应接不暇难以忍受，要么马上就对它产生免疫力。

反应镜头也同样适用喜剧、恐怖或者任何其他你能想到的电影类型。

4、压缩时间以防止观众无聊

没有人想看角色走过房间、走上飞机舷梯或者吃完一顿饭等生活中常规动作的完整过程，在各个角度镜头之间切换以压缩时间，让动作完成得更快。

5、在戏剧性关键点、笑点或者动作节奏点处延展时间有时，某一时刻很有趣、很重要或者很有力量，把这一时刻适当“拉出来”会变得有意义。在不同角度镜头之间切换能压缩时间，同样，也能通过这个方法来延展时间。从多个角度展示同一个动作或事件会比事件实际发生的时间看起来长一些。一个好的例子是棒球手在最关键时刻打一个本垒打。时间和整个事件激动人心的气氛可以通过使用很多不同角度球手的面部表情、观众以及球手多个角度的挥杆和击球来达到。这种处理方法比“实时”处理激动人心得多。

6、记住故事和角色弧线。

在你选择演员多条镜头剪片子时，一定要从整部电影的维度考虑什么已经发生过了，什么正在发生，什么还没有发生。确定演员的性格变化和发展契合整个剧情的发展。

比如，你不想角色在某一个事件发生后在没有发展起某种性格特质的时候就让他表现得太过自信。如果你曾经就关于剧情推动和演员性格发展保持同步的问题寻求过建议和帮助的话，那么以下是一些不错的建议：找到跟这个角色有关的所有的戏，按剧本的顺序把这些戏接在一起，然后仔细看。这种方法能很快了解角色性格的变化和发展，而不需要看整部电影，而且你将很快弄明白角色性格发展变化的弧线有意思还是需要做进一步修改。

7、你就继续往下剪吧

有时候光有一个想法并不能让片子顺利往下推进，直到你能从时间线看到什么东西才变得有意义。当你遭遇想象力卡壳时，不要放弃，只需要继续剪辑，尝试不同的方案处理这场戏。最终，你做过的什么东西会激发你的灵感，把你拉回到正确的路上。

8、匹配剪辑对声音和画面都适用

几乎人人都看过从一场戏最后一个眼球特写镜头切到下一场戏大小类似的太阳的开场镜头这样的匹配转场，或者类似的匹配剪辑。但是不要忘记对声音也可以做匹配剪辑。声音匹配剪辑可以把两场戏有机地联系在一起，拓展你的想象力——声音剪辑有很多可能性。

9、先粗剪，再精剪

在开始粗剪的时候不要拘泥于切点等微小的细节上。先搭出整部影片的架子，然后开始精修每一个切点和声音。这样允许你以最具创造力的速度和灵活性工作，而不会因为一些具体细节拖延交活的时间。

10、利用对话时的断句、气口或者恰到好处的紧张感切镜头

充分利用对话过程中最紧张的顶点，停顿或沉思的时刻。它们都是一个角色切到另外一个角色自然的绝佳的剪接点，而且这种切点不为观众所察觉。

11、在运动中切

这是视频剪辑最最基本的法则。让切点最不容易察觉的方法就是在运动中切换镜头。这个运动可以是角色的运动，比如：转头、手部动作，或者一击重拳等。或者你也可以利用摄影机运动做为镜头切换的依据，一般利用摄影机摇、升降、甩甚至是斜向运动做镜头切换。在上述运动过程中切镜头有助于隐藏切点，给观众创造无缝流畅运动的视觉体验。

12、让你的切点具有动机

当切点具有叙事动机时，它们看起来显得更加自然和流畅。利用这点让你剪的片子更显流畅。一个简单的例子是：上一个镜头是角色看向画外的特写，接着切一个他所看到的事物的镜头，那么这个切点的动机是回答观众角色看到了什么的疑问。

13、使用插入镜头

插入镜头指场景中道具或者物体（角色着急走出家门而遗留在桌上的一串钥匙）或者需要着重强调的此刻发生的特定动作（一只手从桌子上拿起一瓶红酒）。插入镜头能帮助转场，通过引导/聚焦观众的注意力更为充分地定义场景接下来要往哪儿发展，通过揭示呈现的细节提供场景中的重要信息。插入镜头提供了一个镜头序列的多样性，打破了中景为主结构段落的视觉单调性。

14、演员的眼睛提示你什么时候切到下一个镜头

通常，演员的眼睛能提供你何时切到另外角色、场景中道具或者其他角度镜头的时机提示。眼睛的运动被认为是“在运动中切”的缩小版，也是动机剪接的一种方式。当你不确定什么时候切时，仔细看演员的眼睛。

15、利用摄影机运动加快剪辑节奏

给观众呈现动作的速度和密度最好的方式是充分利用摄影机的运动。当然，是否能使用镜头的运动特性是在拍摄时由导演决定的，但如果你手头已经有运动镜头，而且你想让动作过程快一点，不要忘记使用这些运动镜头。另外，当你从一个运动镜头切到另一个运动镜头时，记住一定要在运动过程中切，这样会让切点更加流畅。最终，你能剪短每一个镜头在银幕上呈现的时间，并加快这个动作过程的速度和节奏。

16、跳切没问题

现在的观众很宽容。一二十年前，剪辑师不应该跳切是一条明确的剪辑规则。现如今，这种情况再也不存在了。确实，在情感段落或者戏剧冲突时刻跳切仍旧让人看了有点不舒服或分神，但在动作片、恐怖片甚至是喜剧电影中，跳切变得越来越让人接受。跳切能让观众有碎片化和风格化的感觉，甚至能引起观众惊讶、紧张或害怕。不过和大多数事情一样，原则是不要过度使用跳切。

17、在观众转移注意力的时候切

这条视频剪辑法则有点笼统，它是对一个非常重要的统领性的概念的说明。无论你是在运动中、在大声音激励引导时，还是在紧张时刻切镜头，关键在于当你的观众开始转移注意力的时候切。就像一个魔术师利用夸张的动作和故事转移观众的注意力，把观众的注意力从幕后的花招（魔术机关）转移开，这个技巧将会在无数剪辑点决定时刻指引你往下走。

18、淡出开始一场新戏，叠化象征着时间流逝

这是非常基本的剪辑技巧了，但很好用，请记住。很多剪辑师都尽量避免使用这些切换特技——因为他们相信好的剪辑师应该利用恰当的动机硬切镜头。但是淡入淡出和叠化依然还有用武之处，只要谨慎和恰当地使用它。

19、同一主体上下两个镜头角度至少相差45度

如果你从一个镜头切到同主体的另一个镜头，确认新镜头跟上个镜头的角度至少相差45度。否则，切点会显得跳跃甚至让人觉得剪辑有问题。如果你不能切到有足够角度区分的镜头，试着切到其他主体，或者在这两个镜头之间使用一个插入镜头搭桥。

20、相同主体镜头切换，记得改变摄影机距离（景别）

跟上一条规则类似，除非你要采用风格化的剪辑，在相同主体之间做镜头切换时，上下两个镜头的景别区分一定要足够大。比如，不要试着从大特写切到特写，而是试着从大特写切到中景或者全景。这样看上去感觉更自然，切点显得更加不可见——这通常是剪接的目标。

21、在一段声音的开头和结尾使用淡入淡出

大部分剪辑软件都有快捷的方法给声音做淡入淡出或叠化，使用声音过滤器对台词、房间的空间混响、音乐的头尾做淡入淡出的声音平滑效果。即使台词后面只有一到两帧的余量，你也要使用叠化。这些叠化将会平滑混音并且防止声音突然变化。

22、在有台词的地方拉低音乐和动效的电平如果剧中角色的台词很难听清，观众会因为无法理解角色的台词而无法了解剧情，甚至会迷惑。这会让观众对电影产生厌倦甚至沮丧，最终对电影失去兴趣

23、不要使用俗气的特效

没有比使用什么“星形转场”、“闪亮火焰滤镜”和“翻页特技”等老掉牙的特技效果更让人觉得业余了。除非你的视频因为使用这种复古/简陋的特技效果显得更有意义，记住，像瘟疫一样尽可能避免这些特效。

24、审慎使用音乐

直到剧情最重要的时刻才使用音乐，或者仔细剪辑你的音乐，在恰当的时刻出现最动听或最紧张的那部分音乐。这样将会给观众一些提示，让他们知道所看的那部分内容意义最重大，或者悬疑或紧张害怕时刻即将来临，或者是故事最重要的部分。

当然，也能举出这条规则的大量反例，但如果你能审慎一点使用音乐，会对你片子品质的提升很大。

25、对话或旁白使用压缩器

压缩器的作用是对一个声音片段电平的高点和低点做均衡处理。压缩器有很多作用，但最重要的使用场合是在一场拥有大量动效或音乐的对话甚至旁白的戏中，对台词和旁白略微做压缩处理，可以防止台词或者旁白听起来有困难。压缩器会把电平很低的台词部分做提升处理，确保那些台词不会丢失或者听不清楚。但也要注意不要把压缩器的参数调得过高，否则最终得到的效果就像是人工智能机器人在说话。

26、确认你的声音电频没有爆表

这也是剪辑最基本的技巧之一，但往往容易被忽略。尤其要注意那些大量动作或恐怖元素的场次，因为多轨音频混音之后不可避免会把声音电平推到红区。

27、总是以立体声效果混音——永远不要用单声道

立体声混音能让声音在左右监听音箱之间变化以便获得更好的声音定位效果（比如，车辆从画面驶过，画外出现对话等）。立体声混音通常也趋向于获得更清晰的声音，同时能给你达到峰值之前更多的余量。

28、在音乐停止处使用混响过滤器

在预告片制作中无时不刻在使用这种非常酷的手段，但它也适用于任何种类的片子。如果你希望音乐在自然结束之前就停止，但不想听起来特别突然（硬切），尝试使用混响过滤器。在音乐结束的大概区域中找一个降拍点，删除这个点之后音轨上的所有内容，在结尾处使用混音过滤器。按照你的意愿调整长度以及混音效果，这样能提供给你非常干净的音乐停止方式，而且解决了音乐突然停止的顿挫感。在剧情关键的冲击点或者笑话抖包袱之前的强调都是非常有用的。

29、使用声音转场

一种非常棒的转场方式是下一场的声音提前进入到上一场的结尾。比如，两个人在公寓结束对话决定去一趟巴黎，在对话结束处下一场戏飞机着陆的声音提前进入并逐渐变大，然后再切到飞机在巴黎着陆的镜头，这样的转场方式看起来不会显得突然和毫无准备，这种转场方式类似动机剪接，在上一场戏的结尾提示观众下面即将发生什么，这样他们不会迷惑或者奇怪。

有关声音转场的方式还有很多，但上述是最基本和最有用的。

30、使用声音设计建构紧张时刻

你无需单独使用音乐发展整场戏的调子和气氛。不要害怕使用嗡嗡声、撞击声、金属声和其他有效的声音设计元素来帮助建构一场戏的氛围并引导观众的情绪。使用声音设计需要更多的实践，本质上它允许你像一个作曲家那样真正控制整场戏的情绪和调子。

31、用户自定义快捷键

每个人都有自己操作电脑的习惯——当然有些操作方法会快些。但在剪片子时，使用键盘快捷键，将会显著提升你的工作速度。

有一个自定义快捷键的小技巧：把所有常用的快捷键赋值键盘的一边（集中一个区域），这样，左手固定在键盘某个区域，操作快捷键时左手移动幅度不大，而右手就放在鼠标上，负责时间线区域的点击和拖拽等操作。开始可能不太适应，当你习惯快捷键操作后，你都会惊叹工作的速度和操作的轻松度。

32、整理你的素材

这非常重要

除非你剪的片子是一个很小的项目，你必须组织你的素材。这包括所有的视频、音频、后期配的旁白、声效、图片以及任何你片子里用到的东西。你可能想按场次、角色、地点或者其他依据来组织你的素材，哪种组织方式最有意义是由你所剪的片种决定的。对于剧情片，以场次顺序组织素材最有意义。对于广告宣传片，你可能想以镜头种类和角色来组织素材，因为素材更多的是为“画家的调色板”而不是“一个按时间发生的故事版“服务的。

无论你选择何种素材组织方式，确认你组织好了，否则你很快就会变得头大，影响你的每一步剪辑决定，并且会错过很多剪得更好的机会。相信我，剪辑之前花时间整理素材绝对值得，磨刀不误砍柴工。

33、给你喜欢的东西做标记

当你查看并组织素材时，对你喜欢的台词、镜次和镜头做标记或注释。你第一次看素材获得的最初反应通常是最真实和客观的，非常接近观众看这些镜头时的感知。在这个客观阶段记下你对素材的想法和印象是非常重要的，它有助于在剪辑后期素材越来越多甚至场面变得一团糟时继续引导你向前走。

34、把经常用的效果和插件的设置存储在BIN中

在做一个项目时，你会发现你需要经常使用某个特效。比如时间扭曲、画面放大、白色火焰、声音效果等等。不需要每一类特技都重新设置，新建一个Bin或者文件夹，里面存入每一个预先设置好参数的特效或插件，如果你需要某个特效只需要把它们拖拽到镜头上即可。这样会缩短你剪片子的时间，把更多的时间花在一些更重要的事情上。

35、放大你的时间线

很多剪辑师常犯的错误是忘记能够放大时间线。要精确地细调切点、编辑音乐等操作，你需要放大你的时间线。如果你针对片子的某个片段进行修改却没有放大部分时间线，将会出现两个主要问题。

首先，其他不相关部分的时间线进入你的视野会让你分心。听起来挺疯狂的，但确实是真的。剪辑有时候让人抓狂，就是因为你将要处理大量的素材和剪接点。放大时间线让你的注意力集中在时间线的某一个区域。第二，为了对画面和声音进行微调，你的控制也需要处于精细状态，如果你把时间线缩小了，你无法以逐帧的精度调整声音和画面，结果就是对切点进行粗略地调整，得到的结果跟你期望的相距甚远。

养成放大时间线的习惯，你会为如此多问题迎刃而解感到惊奇。

36、尽可能使用两个监视器

把所有视频素材、音乐、bin、音频波表和其他工具都放置在左边的监视器，右边的监视器放你的时间线和视频窗口。增加的屏幕空间有助你更好的组织各个窗口，并提供更多的空间操作你时间线上的素材。

37、避免平剪

从一个镜头切到另外一个镜头的时，相应的声音也同步切换是非常糟糕的主意。因为大部分剪接的目标是为观众创造一个平滑、不曾中断的视听体验，所以你也希望所有的切点都是平滑而不为观众所注意。同时切换画面和声音意味着你要让观众同时适应两个变化，观众对切点的感觉就会很明显。如果使用L切和J切取代之，情况就完全不同了。

这意味着，把下个镜头的声音稍微提前到上个镜头的结尾处（J切），或者把上个镜头的声音稍微延续到下个镜头的开始处（L切），在一场对话戏中，这种剪辑方法能很好地捕捉听话者的反应。L切和J切需要时间练习，一旦熟练使用，会让你的切点看起来更加专业。

38、使用多角度镜头和快速剪接建构紧张感和冲击力

创建狂暴和眼花缭乱视觉感受非常棒的方式是从多个角度呈现动作过程。动作发生时，快速地从全景切到中景再切到特写，给人以速度和冲击感。在诸如打斗或者汽车追逐等动作场景中，这种手段是非常管用的。不过要注意每隔一段时间切出一个全景镜头或者场景中旁观者的镜头让观众的视觉和心理休息一下。

39、通过改变速度和声音电平创建对比

生活中许多有趣的事情来自对比，剪辑遵循同样的规则。通过改变一场戏的剪辑速度或者情节点的密度，你将在片中创建一种节奏，可以防止观众过度刺激或刺激不足。声音也是同样的道理。在一场安静的戏后面接一场吵闹的戏会建构一种冲击力，反之亦然，一场热闹的动作戏后面接一场角色之间耳语的戏会让这场戏更加亲密和私人化。

使用对比强调某些关键时刻，并把你剪接序列的波峰和波谷都雕刻出来。

40、复制并保存多个版本的时间线

任何时候你都会对序列做大量修改——而且并非是最终定稿——记住复制你的序列。经常会碰到对某个序列做了大量修改后结果一团糟，终于意识到修改之前那个版本已经非常好了，但是你已经无法使用“undo”恢复到最初版本。如果你的序列复制了很多版本，你很少会丢掉你的劳动成果，而且你也更加有底气去进行新的剪辑尝试。同时不要忘记使用标签进行唯一标识，比如使用“不同的开场——没有音乐”之类的注释有助你回忆不同版本的区别，让你在需要参考的时候快速找到它。

41、给镜头做点“假”运动

有时我们希望在戏剧性的时刻镜头有一个缓慢推向角色脸部的运动，但现场导演并没有这么拍。不要怕给镜头画面加一个缓慢放大或者推（zoom）的特效来模拟摄影机运动。比如把zoom的参数从100%调整到103%。注意不要推得太近，导致画面质量开始变差。尝试各种模拟摄影机运动的特效插件，也许在关键时刻能用得上。

你将会对给镜头增加如此冲击力的事实震惊。

42、使用交叉剪辑制造紧张感

一种有效的建构悬念和观众期待的方式是使用交叉剪辑。交叉剪辑就是在不同时空发生的两条或多条叙事线之间来回切换。一个不错的例子：夜晚，一个窃贼蹑手蹑脚地接近一幢房子并从窗户爬了进去。在他接近房子、进入房子和在房间里走动的镜头之间，你可以插入房主熟睡或者在浴室洗澡而完全没有意识到危险接近的镜头，通过两条叙事线的交叉剪辑来制造紧张感。

43、使用空气环境声平滑你的对话

当一个角色说完他的台词，而另一个角色准备开始说话时，在两个角色的台词之间经常会有气口或空隙。取决于台词是如何被录制的，在台词之间会存在耳朵无法忍受的环境声突然缺失的空隙（比如分别用两个话筒录制角色，或者因为删掉一些台词又保留画面而完全没有声音）。平滑这些突然没有声音的缺口的一个方法是从角色没有说话但麦克风依然拾取声音的地方截取一段录制下房间或环境声音的音频。然后把这段单独的环境声音轨放到两人对话之间（跟台词可以有重叠），在头尾做个声音叠化处理。这样就能在角色之间创建更为平滑的声音无缝过渡。

44、混音阶段调大监听声音

到了混音阶段，把监听的声音开大一点。你需要听到你片子所有的声音，事实上，你会想把声音开得更大一点以便你能真正感觉到声音给某些情节点带来的冲击，确定它符合你的预期。如果你不想妨碍你身边的人，那么买一副不错的监听耳机。

45、在搞笑或者重要的情节点之后，给观众一点时间发笑或者思考（很重要，节奏，剪辑的节奏）

在一个搞笑的场面后，观众可能会发笑，在真正搞笑的时刻，观众笑得如此大声，以至于角色后面的台词观众根本听不到了。在进一步给出重要信息或者对话之前，允许给观众一定的时间恢复镇定/情绪。同样的道理适用观众需要一定的时间思考/回味情节或者搞明白到底发生了什么。比如，一个男孩接到女友愤怒地质问电话并要跟他分手，给观众一点看着男孩对这个消息的反应时间，让观众去发现他是难过或者解脱。

46、完全静场会让人感觉不自然

寂静不等于没有声音。当你开始混音，记住在现实世界中即使是安静的地方多少也有声音，如果某个片段完全没有声音（没有音轨）会让人感觉极不自然。

关于寂静一个很好的例子是战争场面，当一颗手榴弹在角色旁边爆炸，虽然这个战士没有受伤，但爆炸声让他双耳暂时聋了。此刻，完全没有声音会显得很奇怪，但他耳朵里尖厉的嗡嗡声和低沉不清晰的声音，以及他周围枪声、大炮声、战士的喊叫的回响声提供观众更加自然的声音效果。

即使人类置于完全静音的消声室，他们依然能听到他自己神经系统和心跳的嗡嗡声。对于人类的知觉系统，没有100%的寂静。

47、场景声音和声音效果应该能描述故事情节的设置和发展

当你决定哪些场景声音元素将会最终包含在混音中，记住你不需要包含所有声音，只需要包含传达这场戏环境氛围以及提供观众你所讲述故事的线索的声音元素即可。

如果一个场景开场是女人坐在椅子上，表情不安还有点生气，我们可能能听到窗外车水马龙的声音还有墙上挂着大钟的滴答声。我们马上会发现原来她等丈夫回家吃饭已经等了超过一个小时，而且我们应该能感受到跟故事情节点有关的时间流逝。

48、如果剪纪录片，先剪声音

一个非常棒的视频剪辑技巧是：当你剪记录片时，第一步先把声音剪出来。那就是，把对白、旁白以讲故事的方式在时间线上装配好。一旦这些声音能把这个故事有效的讲述，你就可以开始加诸如采访、现场拍摄、照片、资料等镜头了。剪记录片先从剪声音开始，有助于你把注意力集中在最重要的事情上——信息。

49、保持客观

搞清楚在某一时刻，观众知道什么不知道什么，你对素材的熟悉很容易让你忘记观众可能需要一点额外的信息和时间去搞明白银幕上发生了什么（很重要，盟叔多次强调过）。提供太少的信息会让观众迷惑，而且重要时刻也没有预期的冲击力。反之，提供太多信息又会让你的片子感觉弱智甚至是给孩子看的——所以要找到一个平衡点。

50、人类大脑对声音和画面不匹配的问题很敏感。即使是声画不同步一帧，在某种情况下也能察觉。

在对点或者按音乐或音效节奏剪辑的段落尤其要注意声画同步的问题。当这些声音或节奏跟诸如一记重拳或者一次击球等特定的视觉画面同步时，哪怕声画不同步一帧都感觉很奇怪，而且大大削弱事件的冲击力。一些软件允许你以四分之一节拍编辑音频，意味着可以以四分之一帧的精度调整画面。

如果声画同步的细节做得不好，观众无法沉浸在剧情中，这将会是个大问题。